Мы редко задумываемся о том, насколько рама влияет на наше впечатление от работы. Большинство произведений в музеях и галереях оформлены — но в каталогах и альбомах художников работы вместе с рамами репродуцируются редко.
Между оформлением и полотном нередко возникает интереснейший диалог. Художники красят рамы в основные цвета работы или вовсе рисуют на них, используют багет, резьба или орнамент на котором повторяет или дополняет написанное. Порой рама становится настолько важной частью картины, что без нее изображение полностью меняет свое значение.
Обрамление может многое рассказать о работе — например, помочь с определением времени ее создания или открыть неизвестные факты о ее авторе, владельцах, выставках, в которых она участвовала.
Рама отграничивает картину от действительности, указывая на ее специфичность. Исследователь, сотрудник МОМА Уильям Бейли (William Bailey) замечает: «Рама должна подготовить глаз и сознание зрителя к проникновению на территорию искусства».
«То, как оформлена работа может поведать о самом художнике, его вкусе, знании материала, целях и задачах. Почему так? Почему здесь не простая рама?
На протяжении истории искусств многие авторы (например, Климт) делали эскизы своих рам, заказывали их мастерам, сами принимали участие в их изготовлении и доводке. И их работы и рамы были взаимодополняющими произведениями», — рассказывает художник Игорь Терехов.
Рама — зачастую единственное, что может изменить владелец произведения. Стремясь к единству в оформлении коллекции, коллекционеры нередко заменяли из на более подходящие. Поэтому, чем старше работа, тем сложнее найти ее в оригинальном обрамлении.
Так, сохранилась всего одна работа Ван Гога в раме (Still Life with Fruit, 1887), изготовленной самим художником. Здесь Ван художник использовал простую деревянную раму и раскрасил ее желтым и охристым. Мазки несколько напоминают традиционные японские иероглифы — и одновременно с этим создают эффект резьбы на традиционной раме. «Это воплощение идеи золотой рамы, созданное человеком, у которого не было денег, чтобы ее купить», — рассказывает Бейли.
Винсент Ван Гог, «Натюрморт с фруктами»
Дилеры и коллекционеры нередко меняли простое оформление на работах импрессионистов и постимпрессионистов на роскошные салонные рамы. Так они лучше вписывались в интерьеры обеспеченных коллекционеров — и их легче было продать. Сложно найти что-то более противоречащее, чем эта рама в стиле Людовика XIV и «Лук» Пьера Огюста Ренуара.
Огюст Ренуар, «Лук»
А вот Эдгар Дега ревностно следил за тем, чтобы его работы сохраняли в оригинальном оформлении. Известен случай, когда художник забрал прежде подаренную картину из-за того, что ее оформили в другую раму.
Эдгар Дега. Эскиз рамы к работе
Сейчас в музее Гуггенхайм изменили рамы на работах Пикассо, Мане, Ван Гога и Гогена на более близкие к тем, которые использовали их авторы. А в Национальной портретной галерее в Лондоне, когда на произведениях меняют рамы, старые хранят в течение 50 лет.
Фото внизу сделано в 1936 году и называется «Лувр во время войны». На нем — пустые рамы от эвакуированных работ. Каждая из них сопровождается подписью, поясняющей, какое полотно она обрамляла. Даже во время поспешной эвакуации эту информацию попытались сохранить.
Лувр во время войны, 1936
Как появились рамы
История рам начинается с фаюмского портрета. Впервые оформлять изображения начали в Египте 2,000 лет назад. Самая ранняя из известных рам была найдена на крышке саркофага. Она обрамляла портрет усопшего и представляла из себя «окошко», через которое можно было его увидеть.
Но первые прототипы современных рам появились около XI-XII века. Сначала они были частью алтаря в храме и разделяли различные секции и изображения. Тогда обрамление было первым, что создавал художник. Область, в которой планировалось создать изображение выделялась резной рамой — и только потом мастер приступал к работе. Такие произведения были частью церковного убранства — и их сложно было переносить.
В эпоху Возрождения с развитием светского искусства в обиход входят рамы, более напоминающие современные. На обрамлении разных периодов можно найти повторение мотивов современной им архитектуры — ведь оно воспринимаются, в том числе, и как часть интерьера.
На салонных выставках с ковровой развеской работ авторам было непросто привлечь внимание к своей работе. Художники оформляли свои произведения в широкие рамы — это позволяло отвоевать для картины больше пространства.
Парижский салон
Сначала в Салоне можно было показывать работы только в золоченых рамах — до 1879 года, когда разрешили использовать черный и полированный деревянный багет. Чтобы пройти отбор, Эдуар Мане выставляет свою Олимпию в классической раме — но скандала избежать не удалось.
Эдуар Мане, «Олимпия»
В обзорах выставок импрессионистов одним из важнейших нововведений называли использование простого белого и цветного обрамления. Контраст зелени пейзажа и розовой рамы выглядит смело и для нашего времени. В другом оформлении этот пейзаж Камиля Писарро будет выглядеть совершенно иначе.
Работа Камиля Писарро
Внешний вид рам изменялся в сторону упрощения — и вскоре многие художники от них отказались.
Джексон Поллок
Диалог рамы и работы
Диалог и переклички между рамами и работами — не редкость, ведь обрамление нередко заказывали под само произведение.
В двадцатом и двадцать первом веках этот диалог становится более явным. Иногда работа вторгается в пространство рамы, как у Владимира Немухина и Говарда Ходжкина.
Владимир Немухин
Говард Ходжкин
А у Жоржа Сёра находим и «раму» в пространстве работы («Воскресенье после полудня на острове Гран-Жатт»), и «работу на раме» («Вечер, Онфлер»). Заметим, что красные мазки находятся напротив контрастных зеленых, а холодные синие — возле цветового пятна теплого оттенка.
Жорж Сёра
Художники по-разному обыгрывают раму. И обрамление из аккомпанирующего элемента превращается в центральный, как, например, у Григора Ханджяна и Вадима Гринберга.
Григор Ханджян
Вадим Гринберг
А случается, что рама, собственно, и является работой — как у Олега Кулика.
Олег Кулик
В любом случае, каким бы ни было оформление работы, оно несет в себе определенное значение и отношение к миру. И в этом вопросе у каждого — своя позиция. Художник Стас Жалобнюк рассказывает: «Казалось бы, в самой теме оформления работ нет ничего особенного. А, в конечном счете, это может рассказать обо всем.
В мастерской Стаса Жалобнюка
Рамка не может быть сама по себе — она должна быть единым целым с картиной. Часто я дописываю картину в раме, могу и раму пролессировать — чтобы все собрать в единое целое
Посмотрите, эта стена выглядит, как паспарту картины:
В мастерской Стаса Жалобнюка
В этой комнате создана моя философия пространства. Вы слушаете, что я говорю — и то же самое видите на стене. Я переживаю, я не понимаю, что происходит вокруг — и пластически мне нравится свое непонимание формулировать определенным образом. Этот интерьер о моем непонимании — но я ручаюсь за то, что он пластически грамотно сложен, это моя работа. Если что-то подвинуть — будет нужно передвигать все».
Художник Игорь Терехов рассказывает: «Для того, чтобы оформить работу важно художественное чутье, вкус, чувство меры — то, что определяет того, кто это делает. Мелочей, на самом деле, нет. Но излишнее усердие тоже может все испортить.
Эту рамку я сделал сам. На пленэре в Буше я нашел досточки, изъеденные жуком-короедом — с причудливыми рисунками, которые иначе создать невозможно. Все было уже сделано природой — и нужно было только это увидеть и почувствовать.
А этот коллаж сделан в виде новостной театральной тумбы. Для работы я использовал детали от рояля. Она называется «Последние новости» — но эти новости не очень радостные».
Кураторы, дилеры и галеристы подбирают рамы для работ разных художников, которые нужно будет разместить в одном пространстве. Директор галереи «Чайка» Дмитрий Банников рассказал «Худкомбинату» об основных принципах, которыми он руководствуется:
«У каждого дилера и галериста — свое понимание того, как нужно оформлять работы. Кто-то просто отвозит картину в багетную мастерскую — и там ее оформляют на свой вкус. Но лучше этого не делать, а все проконтролировать и самостоятельно подобрать раму и вложить в эту работу немного своего внимания.
Любой опытный дилер постоянно сотрудничает с несколькими багетными мастерскими. Ассортимент одной мастерской не всегда соответствует его задачам, поэтому удобнее всего работать с двумя-тремя. Каждый багетный мастер, как правило, умеет делать то, чего не может другой.
Работа К. М. Ломыкина. Коллекция галереи «Чайка»
Например в Одессе только один человек умеет работать с советским багетом, нижняя часть которого не плоская, а закругленная, так называемое «корыто». Распилить его под углом 45 градусов — крайне сложно. Для этого нужно иметь специальные пилы, которые выставляются под определенным углом — сейчас этим никто не хочет заниматься. Хотя в советское время это было нормальной практикой.
Классические и современные работы
Есть сложные для оформления работы. К ним можно долго искать и подбирать рамы. А есть картины, которые сразу понятно, как оформить. Для произведений, созданных до 1960 года (обычно это соцреалистические полотна) подбирается классический багет золотистого оттенка с лепниной. Это работает практически в 100% случаев.
Современные работы требуют более модернового оформления — в основном, это плоские багеты без лепнины и излишних украшательств.
Работа Стаса Жалобнюка. Коллекция галереи «Чайка»
Багет и вставки
Для оформления одной работы может использоваться два-три багета одновременно: основная рама и вставки. Вставка может быть пластиковой, деревянной или бумажной — паспарту. Светлая вставка используется для того, чтобы расширить пространство работы, сделать так, чтобы вокруг нее появился «воздух». А какие-то работы, наоборот, нужно обозначить, как бы обвести контуром — и поэтому, требуется темная рама.
Графика из коллекции галереи «Чайка»
Всю графику я обязательно оформляю в паспарту. Паспарту должно быть либо уже, либо шире багета. Если они будут одинаковыми по ширине, будет смотреться некрасиво.
Но чем паспарту шире, тем лучше — появляется необходимая «воздушность». Широкое паспарту, узкий плоский багет — то, что необходимо для современных графических работ.
Графика сама по себе легковесна. Если её оформить в тяжелый багет, это будет выглядеть плохо.
О том, как сочетать разные работы в одном пространстве
Хаотичное нагромождение работ сразу бросается в глаза и становится неуютно. И ты сразу понимаешь, что у людей дурной вкус, если они сочетают несовместимые вещи. Например, помещать на одной стене графику и живопись не рекомендуют. Поэтому в «Чайке» — отдельная комната для графики.
Основные рекомендации по оформлению работ:
- Оформление не должно выступать на передний план, работа не должна теряться на его фоне.
- Багет следует подбирать по работу, а не под интерьер.
- Паспарту и стекло не используются при оформлении работ, выполненных маслом на холсте
- Цвет багета должен быть на полтона темнее или светлее от преобладающего цвета картины или совпадать с неосновным цветом живописи.
- Обычно чем больше картина, тем шире и ее рама. Но некоторые небольшие работы хорошо смотрятся в массивных рамах.
- Рама должна соответствовать стилю работы. Классические произведения лучше смотрятся в резных, позолоченных рамах, более современные — в более минималистичных и простых.
- Учитывайте глубину багета. При оформлении в багет с глубиной меньше 1,5 см сбоку будет виден подрамник, на который натянута картина.
Подготовила Анастасия Суворова
